participantes:

Nació Caracas, Venezuela 1976 vive en Buenos Aires Argentina.

Artista, migrante y gestora cultural. Inicio su trabajo de performance desde la poesía escrita  y explora la potencia de lo poético.

Ha mostrado su obra en espacio público, autobuses, galerías, centros culturales  y museos y distintos Festivales en Chile, China, Irlanda, Alemania, Mexico, Polonia, Republica Dominicana, Republica Checa, Ecuador, Brasil y Argentina.

Fue profesora del taller Complementario de Performance en la Universidad Experimental de las Artes (UNEARTE Artes Plásticas), Caracas, Venezuela

Junto a Ignacio Pérez y Amira Tremond fundó PERFORMANCELOGÍA, organización dedicada al Archivo y Difusión del Arte de Performance.

Realizó Ediciones Independientes muestras en casas por un día.

Forma parte de Maternidades Feministas y del Espacio Cultural Compamadres del Horizonte.

Artista Visual Chilena, ha desarrollado su trabajo en las líneas de performance e instalación, explorando temas como las relaciones de poder y género, el trabajo doméstico y la maternidad. Egresada de Licenciatura en Artes Plásticas, de la Universidad de Chile, realizó estudios posteriores en la Universidad Politécnica de Valencia (España), y en la Universidad de Ulster, en Belfast (Irlanda del Norte). Fue cofundadora de PERFOPUERTO; organización artística independiente, dedicada a la producción, enseñanza y promoción del arte performance en Chile. Su trabajo ha girado por diversos países de América y Europa, llegando incluso a Japón. Desde 2007 reside en Los Ángeles, California (Estados Unidos).

Calebe Simões es artista visual brasileño y doctorando en el programa de Doctorado de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Él es formado en fotografía por la Escuela Panamericana de Arte de São Paulo, en Filología Portuguesa y Inglesa por la Universidad Metodista de São Paulo y concluyó en el inicio de este año un Master en la facultad Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Además de sus estudios académicos, él ha complementado su formación artística en distintos talleres de arte visual.

Calebe ya ha participado de diversas exposiciones colectivas e individuales en Brasil, Argentina, Irlanda y España. Él trabaja con distintos lenguajes artísticos como fotografía, vídeo, serigrafía e instalación y busca desafiar los limites de la imagen a través de la confrontación de los conceptos de realidad y ficción.

Cristiana Nogueira es Licenciada en Educación Artística por la UERJ y Máster en Arte y Cultura Contemporánea por la misma universidad. Estudiante de doctorado en Arte Contemporáneo en el Colégio das Artes de Coimbra, Portugal. Participó en exposiciones y residencias, como Performe-se: Fronteiras Borradas / Fronteiras Erected, Escala 1: 1 - acciones humanas para espacios monumentales, Festival Noise. Gesture Action & Performance / corpoacorpo y el Festival LaPlataformance. Organiza el Festival Corpus Urbis y coordina el proyecto Performance na Praça y Performance no Pátio. Es profesora del Curso de Artes Visuales de Unifap. Le interesa la relación entre imagen, performance e intervención urbana.
Nacida en Rio de Janeiro-RJ, pero actualmente vive y trabaja en Coimbra-Portugal.
"En mi trabajo busco investigar la relación del cuerpo con la naturaleza y sus problemas. Este cuerpo-paisaje que intenta integrarse con la naturaleza y también con una artificialidad que la rodea. Investigo elementos que lo degradan y, al mismo tiempo, son parte de él, en un vínculo inevitable. Una lucha entre vivir, sobrevivir y morir. También investigo la relación con el otro, donde creo una especie de ritual para establecer una relación íntima, en un llamado espacio público. Actuación relacional en una micro esfera, donde lo que importa es la tenue relación de unos minutos con otra persona. Llego a la performance a través de la imagen, porque he experimentado en el cuerpo mucho de lo que grabé a través de la fotografía en tiempos pasados. Actualmente investigo las representaciones de la figura femenina a partir de elementos que provocan extrañeza al ocupar un mismo espacio."

Dani d'Emilia es artista y educadore transfeminista. Trabaja en las intersecciones entre performance, artes visuales, prácticas somáticas, pedagogias radicales y justicia social. En los últimos años se há dedicado especialmente a processos político-afectivos que entrelazan esferas artísticas, activistas y espirituales, incluyendo una extensa investigación encarnada a sobre da Ternura Radical. Desde 2017 integra el colectivo Gestos Rumbo a Futuros Decoloniales (CA/BR) con quien se dedica a la creación de herramientas pedagógicas que puedan auxiliar en el atravessamento crítico y resiliente de las múltiplas y interdependientes crisis de la modernidade. Desde 2018 también trabaja con el colectivo ANDlab (Centro de Investigación en Arte-Pensamiento & Políticas de la Convivência, PT/BR) en diferentes líneas de investigación-creación y en el diseño del programa pedagógico de la Escola do Reparar (2020). Dani és co-fundadore de la companhia de teatro imersivo Living Structures (GB) y del espaço artístico Roundabout.lx (PT). Fué membre del colectivo La Pocha Nostra (MX/EUA) entre 2011-2016 y de Proyecto Inmiscuir (MX) entre 2015-2017. Dani nació en Italia (de padre italiano y madre brasileña), creció en Brasil, y ahora vive en Portugal.  Su trabajo artístico y pedagógico há estado circulando por diferente de espaços institucionais y autônomos en Europa y Abya Yala.

Nacido en Medellín, Colombia, David Sebastián López Restrepo estudió una Licenciatura en Bellas Artes y Artes Visuales en la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia (UPTC), donde experimentó con la instalación, el videoarte y la performance mientras trabajaba como maestro en el preescolar y centro de investigación pedagógica, “Rayuela”, donde experimentó con diferentes formas de pedagogía y desarrolló un proyecto con niños produciendo cortometrajes. Cuando se graduó de la U.P.T.C, Sebastián viajó a Argentina donde estudió una Maestría en Lenguas Artísticas Combinadas en la Universidad Nacional de Artes (U.N.A.).

Sus performances se han presentado en Argentina, Brasil, Colombia, México, Finlandia y Dinamarca. Su obra forma parte del “Banco de artistas en el exterior” del Consulado de Colombia. Actualmente, el artista vive en Copenhaguen, Dinamarca, donde trabaja con performance, videoarte, instalación, arte postal y libros de artista.

Diana Soria Hernández es una artista visual enfocada en la exploración del lenguaje físico y corporal, principalmente a través del performance art, la instalación en vivo y el dibujo. Estudió su Licenciatura en Bellas Artes en ENPEG La Esmeralda en la Ciudad de México, una Maestría en Grabado por la Academia de Bellas Artes de Helsinki y está cursando una Maestría en Live Art and Performance Studies en la Academia de Teatro de Helsinki, ambas pertenecientes a la Universidad de la Artes, Helsinki. Su trabajo se ha mostrado internacionalmente en exposiciones y festivales en Suecia, Finlandia, Noruega, Dinamarca, Alemania, España, Chipre, Inglaterra, Estados Unidos, México, Colombia, Tailandia, India y China.

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Actualmente vive y trabaja principalmente en Finlandia. Ha recibido varias becas de trabajo de la Fundación Kone (2019-2020, 2017) y la Fundación Cultural Finlandesa (2018).

Doris Steinbichler (Viena, 1965). Artista del performance e improvisadora sonora vocal. Comenzó su trayectoria artística en la Ciudad de México en los años noventas, donde aparte de crear sus propias piezas estuvo al frente de Epicentro, espacio independiente que fue pionero en México en la promoción del arte no-objetual. Parte de su obra tematiza aspectos de conciencia social y de genero.  Sus obras impulsan exploraciones ya fuera con el uso expandido de la fotografía, el sonido y la imagen proyectada, o con la presencia del cuerpo en vivo en el campo del performance art con acciones colaborativas y participativas, o con el conjunto de todas estas.

Galardonada en México con un Premio al Arte del Performance 1993 y Arte Radiofónico 2001, fue fundadora y organizadora del festival de radio de una semana de duración "Remediar - La Bienal No Oficial de Radio" (2001), de los colectivos de cine expandido y de proyecciones analógicas "Trinchera Ensemble" (México, 2004) y de "4shrooms" (Austria, 2007).

Ha participado en numerosos festivales y encuentros internacionales de performance, el más reciente en Zurich, Suiza, en Agosto de 2020. En 2019 ella misma organizó el festival Resist! con doble sede: Ciudad de México y Viena, capitales entre las cuales alterna su vida y su producción artística. En Octubre 2020 se inauguró una revisión de su trabajo en el ICM Viena (Instituto Cultural Mexicano). 

Eduardo Mamede (1989 en Imperatriz, Brasil) estudió diseño de moda en Belém (Pará - Brasil) de 2008 a 2011. Posteriormente estudió medios audiovisuales en São Paulo. Hoy vive en Berlín y trabaja como artista audiovisual.

Su rango de trabajo incluye fotografía, cinematografía y dirección de arte.

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(Caracas, Venezuela 1982)
Pastor trabaja con fotografía, video, performance e instalaciones, creando maneras deexpresar emociones al hacer un paralelismo con elementos de la naturaleza; con los cuales reflexiona en temas como migración y feminismo mediante una impronta visceral e íntima.

Nacido en San Francisco, Rep. Dominicana. Vive y trabaja en Malaga, España y Pacific beach, CA-USA.
1980: Escuela de Pintura Carlos de Mena (Puerto Plata), 1984: Escuela Regional de Bellas Artes (San Fco. Rep. Dom.) Artista interdisciplinario, curador independiente. Sus ideas se manifiestan en procesos reflexivos del mundo de hoy, a través de acciones ‘’escapistas’’ que se acercan al ‘’situaccionismo’’, los procesos experimentales del ‘’Post-Art’’ y el Mainground.

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“Encarna la dinámica del poder de la economía global en escalas personal y geopolítica, poniendo su cuerpo donde otros solo ponen sus bocas.”
“La política, el establishment, poesía, juego, caos e incertidumbre: todas estas situaciones son entrelazadas en mi trabajo, creando espacios de tensión y reflexión.  Mi trabajo abarca el gesto inpredecible, el humor y un cuerpo convulsivo, ausente, presente y visceral.”

Elizabeth Wurst, artista multidisciplinaria, nacida en Lima Perú, estudió en la Universidad de Artes Visuales de Braunschweig, Alemania. Obtuvo la Licenciatura en Performance y Videoarte, especializándose en intervenciones en espacios públicos. Su obra ha sido expuesta en museos y festivales en China, Finlandia, EEUU, Alemania, Francia y Emiratos Árabes.

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Francisca Trobok (Chile, 1983) es graduada de actriz de la escuela de teatro Aiep (2006), con estudios de Magíster en Artes con mención en Dirección teatral de la Universidad de Chile (2014-2015). Se ha desarrollado como asistente de dirección y producción teatral en el ámbito artístico y educativo contemporáneo chileno. Ha dirigido obras teatrales con la compañía de teatro Rizoma, Chile (2015-2018).
Recientemente se ha instalado en Barcelona realizando el curso de Sonido e imagen desde el espejo interior/ Invisible travels en Escuela Massana, dictado por Anahit Simonian, como además del curso Teoría del Performance, cuerpo, desobediencia y subversión, organizado por el Museo de arte contemporáneo de Bogotá e impartido por Abel Azcona. Ha realizado un residencia internacional de creación e investigación en Hangar. En el despliegue de su práctica multidisciplinaria y fragmentaria, Frank explora la hibridación de los diversos lenguajes escénicos, no se limita solo a una disciplina concreta. Reconoce la experiencia, la calle, la intuición y la exploración como recursos esenciales en el devenir de sus procesos creativos, desde allí elabora discursos vinculados a la aparición y disolución del cuerpo como materialidad de resistencia mutable, la abolición de la rigidez del sistema binario de género, a través de un proceso de experiencia biográfica o autorretrato y la elaboración de narrativas de ficción y no ficción, que se pueden materializar en fotoperformance, videoperformance, poesía, acumulación de archivos y elementos domésticos, acciones o instalaciones, diarios de vida, cartografías, collages y sonidos, todo se constituye en un tejido quimérico posible de abarcar.
En sus últimos proyectos se centra en la exploración de cuerpos disidentes, divergentes y transgresores, principalmente en masculinidades femeninas, inspirada en su propio cuerpo y en la Machona, personaje de la danza Caporal, experimenta con otras corporalidades reales y ficcionadas que dislocan y desestabilizan las normas de la representación heteronormativa. A través de la Machona explora un hábitat, un cuerpo, las relaciones, sonoridades y lenguajes verborragicamente chamullados, choros y marimachos.

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Formada como artista plástica y visual, Guadalupe (anteriormente conocida como Lala Nomada) también ha participado en numerosos talleres de performance con artistas reconocidos internacionalmente. En 2018 terminó el master en "Arte y Ciencia" en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. Su trabajo ha sido presentado internacionalmente en numerosas exhibiciones y festivales de arte.

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Aunque autobiográfico, su trabajo artístico no trata sobre sí misma sino sobre un individuo que representa a un grupo más grande de personas en situaciones similares. Sus obras son el resultado de procesos performativos que involucran varios medios visuales, que a veces se realizan frente a una audiencia (performance) y otras veces se manifiestan en objetos o  instalaciones.

Nací en Cuba , en una ciudad con mucha luz que se llama Camagüey. Nacer en un país como Cuba siempre te regala la posibilidad de no pensar en el futuro. Porque allí nada es definitivo o seguro, y crecer sin futuro es triste pero también es mágico fui a una escuela de arte a estudiar tetralogía , y descubrí el amor por el teatro y el amor por las mujeres. También descubrí que mi cuerpa es mi mejor aliada para expresarme, empece a hacer desastres , instalaciones y me hice consciente de mi responsabilidad como ser politico.

Llegué Europa porque tuve a tener miedo de una vida sin futuro .Fui a la escuela de cine de Varsovia y allí en las clases me abrumo la idea  de cuan euro centrista es el mundo , cuanto damos como cultura , cuanto nos han  arrancado y cuanto no sabemos que tenemos. Entonces en Polonia, me rehuso ha hacer cine polaco, mi arte como mi cuerpa son latinoamericanos.
Y mis ancestros  me hablan en Yoruba , cada noche antes de dormir.

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Estudió Ciencias y Artes de la Comunicación con mención en ‘Artes Escénicas’ en la Pontificia Universidad Católica del Perú (2008). Es M.A. en 'Contemporary Performance Making' de la Universidad de Brunel en el Reino Unido (2011) y M.A. 'Creative Producing for Live Performance' en la Universidad de Londres, Birkbeck College, del Reino Unido (2013).

Como artista cree firmemente que lo "personal" es político, entendiendo política como “el complejo o agregado de relaciones de las personas en la sociedad, especialmente las relaciones que implican poder”. Su investigación artística atraviesa los espacios liminales entre la acción física, el body art, la performance multimedia, la performance interactiva / participativa / relacional y la performance digital. Crea performances sobre temas de género, identidad y política corporal, dentro de un enfoque documental y autobiográfico.
 

Desde el 2010 ha presentado sus trabajos en varios festivales internacionales, seminarios y programas en Perú, Cuba, Brasil, Colombia, México, Chile, Argentina, Dinamarca, Reino Unido y Alemania.

Tiene más de 15 años de experiencia profesional en gestión y producción artística-cultural. Es miembro fundadora y co-directora de la Asociación Cultural elgalpon.espacio de Pueblo Libre, espacio y proyecto cultural con 13 años de activismo cultural en la ciudad de Lima. Desde el 2015 se desempeña como Docente en Artes Escénicas en la Pontificia Universidad Católica del Perú, la Universidad Científica del Sur y la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas.

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"Mi trabajo se centra en la autorepresentación performativa y en la reflexión teorica sobre la identidad, la comunicación, la presencia corporal y el texto. También me ocupo del movimiento (entendido como una oscilacion)  entre mundos, culturas, tiempos, espacios, presente, pasado. Todo esto, aunado a una crítica a la violencia, especialmente en contra de las mujeres y los grupos de migrantes que entran a Mexico por la frontera sur, lugar donde creci”. Me muevo entre mi vida privada y vida publica.” 

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Maricruz Peñaloza nació y creció en Chiapas, México. Vive y trabaja en Zurich.

Estudió Artes Visuales en la F+F Kunst und Design Zurich y Ciencias Políticas en la Universidad Autónoma Metropolitana I (UAM-I) en la Ciudad de México.

Peñaloza es artista multidisciplinaria, enfocada en el arte de performance. Ha participado en numerosas exposiciones y festivales tanto en Suiza como en México, Alemania, Grecia, Italia, Austria, Cuba, Brasil, E.U., entre otros paises.

Es curadora y fundadora del festival PERFORMANCE REIHE NEU-OERLIKON, el cual se lleva a cabo desde el 2010, motivo por el cual se presentara la publicacion en diciembre de este año. Asimismo es fundadora y curadora del festival Performance Open-Air St. Gallen, ambos festivales tienen lugar en el espacio público, proyectos que lleva entre Mexico/Suiza, España/Suiza, entre otros.

Se forma por la práctica, gestión, historia y teoría de la performance. Tiene un MA en curaduría de Arte Latinoamericano y un PhD en Historia y Teoría del arte de la Universidad de Essex. Es directora del espacio nómada de creación y pedagogía radical MATERIC.ORG y curadora de MAR DE ISLAS encuentro de performance del Caribe. Su obra se ha presentado en distintos territorios de las Américas y Europa.

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Considerando nuestras relaciones y nuestro ‘Ser en el mundo’ como intersubjetivo e intercorporal, su obra explora la soma-política del encuentro orquestando espacios alternativos de tensión y negociación. Humano/animal; sujeto/objeto; individual/comunal; vida/muerte son algunas dicotomías que se vuelven borrosas… Entre los atentados por descolonizar el cuerpo-geografía utiliza formas de ‘activismo estético’ que exploran lo relacional; el miedo intrínseco y sistémico; las implicaciones legales de los cuerpos; modos de resistencia y pertenencia; y los roles y máscaras del patriarcado.

MAx Provenzano (Venezuela, 1986). Artista visual y del performance que trabaja la relación entre cuerpo, objeto y entorno. Egresado de la Escuela de Química de la Facultad de Ciencias de la UCV (2011). Exposiciones individuales: “Elucidaciones”, El Anexo/Arte Contemporáneo, Caracas, 2017; “READYMAx”, Abra Caracas, Caracas, 2017; “El Tercer Mundo” (premio expositivo 2014 del Salón Octubre Joven), Museo de Arte de Valencia, 2015; “[Inflexiones]”, ONG, Caracas, 2014. Su trabajo también se ha expuesto en Brasil, México, Colombia, España y Finlandia. Actualmente vive y trabaja en Lisboa, Portugal.

Científico de formación y artista en constante indagación sobre los procesos efímeros de la materia,  que aborda sus modos de trabajo partiendo de formulaciones estéticas experimentales. A partir del 2017 migra de Venezuela con el proyecto (IM)PORTAR y su obra se ve influenciada por el contexto migratorio. En su búsqueda plantea relaciones entre su cuerpo y los objetos con los cuales se relaciona, esto lo hace interesado –o inmerso– desde la deriva, el situacionismo y la dispersión, acumulando una serie de datos e información a partir de  imágenes, gráficos, textos y materiales para su archivo, estudio y circulación.

Artista Visual venezolana (1984), residente en Argentina. Madre, docente universitaria y directora de FUGAZ: Feria de Performance. Desde 2010 trabaja con lo que denomina "Discursos políticos sobre un cuerpo autobiográfico" como una autodefinición de procesos vulnerables que se constituyen en acciones políticas. Ha participado en diferentes eventos en Venezuela, México, Cuba, Ecuador, Colombia y Argentina.

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Odette Fajardo es artista de performance, docente e investigadora nacida en 1989 en el estado de México. Doctora en Arte: Investigación y Producción por la Universidad Politécnica de Valencia (Cum laude y Mención Internacional) y Master en Producción Artística por la misma institución. Además es licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. Ha sido becaria CONACYT-FINBA (2015-2018) para la realización de estudios artísticos de Alto Nivel en el extranjero.

Ha presentado su trabajo en países como Alemania, Colombia, Grecia, España, Marruecos, Turquía y México. Ha sido seleccionada en festivales como Cabanyal Intim (Valencia 2016 y 2018), Die Reiche (Berlín 2017), Imagina San Javier (Murcia 2015), la IV Bienal Internacional de Performance Perfoartnet (Bogotá 2014) y la II Bienal Internacional de Performance Horas Perdidas (Monterrey 2014), entre muchos otros. Ha recibido diversos reconocimientos nacionales e internacionales por su obra entre los que destacan una Mención honorifica en el la Muestra de producciones artísticas y multimedia (Valencia 2013) y la Beca de Producción Artística Domicilio Conocido (Ciudad de México 2014).

En su obra, Paula Flores busca representar la complejidad de la naturaleza, nuestro

conocimiento e ignorancia que tenemos hacia ella. Vincula temas como la inmigración y desaparición de culturas nativas a causa de la industria moderna; el lugar que ocupan estas culturas en la actualidad y cómo se van transformando a causa de la mercantilización.

Utilizando diversas disciplinas artísticas y con una mezcla de materiales orgánicos e industriales crea un diálogo de la situación actual entre humano y naturaleza.

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Las dinámicas del desplazamiento y la estética de la otredad son quizás los dos términos más importantes que definen la práctica artística de Ramiro Wong. En sus obras se pueden encontrar inquietudes políticas y socioculturales que abordan narrativas locales e historias individuales y cuestionan la formación de la identidad y sus procesos de registro y deconstrucción en diversos contextos históricos y geográficos.

El artista nacido en Perú utiliza cuidadosamente diferentes formas de lenguaje en creaciones en las que la instalación y la performance no solo crean un equilibrio entre sí, sino que transforman y cambian su naturaleza hacia un resultado final que refleja los procesos de investigación, documentación y reinterpretación de los fenómenos culturales, resultante de la selección consciente del material, los medios específicos utilizados y el discurso abierto que acompaña a la obra de arte.

Autor. Teatrista y Artista visual. Sus piezas atraviesan la construcción de la identidad, la emigración y las relaciones con el activismo. Fue miembro del Fórum Internacional en el marco del Theatertreffen 2018 (Berlín) y la residencia “watch&talk” (Zürcher Theater Spektakel 2019). Artista invitado a las bienales PerfoArtNet (Bogotá) y “Nunca fuimos Nada” (México) 2019. Becario de Panorama Sur 2017, seminario intensivo para dramaturgos en Buenos Aires. Sus más recientes proyectos son Acuario, Diarios del miedo y la colaboración con Stefan Kaegi (Rimini Protokoll)  para Granma. Trombones de La Habana.

Su trabajo audiovisual ha sido mostrado en diferentes festivales de arte contemporáneo alrededor del mundo como el Miami New Media Festival (EEUU), el VII  Festival de Videoarte de Buenos Aires (Argentina), Festival Internacional de San Mauro (Italia), Muestra   Iberoamericana de Cortometrajes de Frankfurt (Alemania) y la exposición América Late: 25 años en perspectiva (Casa de América, Madrid).

Antropólogo Social por la Universidad Autónoma del Estado de México UAEM, se inicia en el campo de las artes visuales mediante cursos y talleres en ciudad de México y España.

En el performance mexicano pertenece a la llamada “Generación T”, nombre que el mismo asignó al grupo de artistas dedicados a este género, entre los años 2000 y 2010, egresados de talleres “formales” de Performance.

En el 2003 se traslada a radicar a Francia y España por un periodo de 10 años, donde concentra su obra en el arte objeto y la fotografía, mostrando su trabajo en exposiciones individuales en Alemania Francia y España, posteriormente en el 2013 regresa a México, donde trabaja y radica actualmente.

Su obra está sustentada en el performance, videoarte,  fotografía, instalación y el arte objeto. En ella hace una sutil crítica, mezclada con la ironía sobre diversos temas como la identidad, la migración y nuestra relación de los seres humanos con la tecnología. En esta última aborda la alteración en los nuevos hábitos y costumbres, determinados por los aparatos electrónicos, cuestionando siempre su tiempo de vida, uso y desecho. El ser humano es vulnerable a la rápida y constante reapropiación a un nuevo objeto tecnológico, siempre con la sensación de posición, disfrute y cambio. ¿Quizás sea la nueva forma de renovación espiritual, por medio de lo material?

La práctica artística de Rocío Boliver es una crítica aguda y enfocada de las muchas ideologías represivas que agobian la vida de las mujeres en México. "En esta sociedad pasteurizada, prefiero causar asco, odio, rechazo, confusión, cansancio, ansiedad, hostilidad, miedo ... para promover aún más la asepsia mental".

Desde 1992 a la fecha, Boliver ha realizado performances en México y en festivales en Europa, Asia, Norteamérica y Sudamérica, incluyendo Grace Exhibition Space, Nueva York y City of Women Festival, Eslovenia. Recientemente ha sido premiada con las Becas de Promoción de Proyectos y Empresas Conjuntas FONCA Cultural otorgadas por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

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Van Jesus (São Paulo, Brasil 1987) Investigadora del programa de Doctorado en Producción Artística de la UPV (Universidad Politécnica de Valencia-España), en el que investiga la práctica artística como generadora de afectos, y cómo el afecto puede apoyar a las comunidades en una situación post catástrofe. Su línea de acción e investigación es la performance en el espacio público y festivales de arte público. Trabaja con experiencias artísticas colaborativas con el grupo EIA (Imersive Environmental Experience) desde 2008. Recibió el premio de Artes Visuales de la Ciudad de Recife-BR (2015) y el PAM PAM de la Universidad Politécnica de Valencia (2018). Participó en la Primera Bienal Internacional de Asunción (2015), y de festivales de arte urbano y performance como Forma y sustancia (Costa Rica- 2019), Resistence (Austria-2019), Intramurs (España-2018), FunkFest (Ecuador- 2016), Corpórea (México-2016), Summar Córdoba (Argentina-2016), Conquista Ruas (Vitória da Conquista-BA; Brasil 2016-2017). Y de residencias artísticas en México, Rusia, Argentina y Ecuador.

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